نقاشی ژاپنی: سفری به دنیای شگفت‌انگیز سبک‌ها و مشاهیر این هنر جاودانه

هنر ژاپنی طیف گسترده ای از سبک ها را پوشش می دهد. از سفالگری و مجسمه‌سازی باستانی گرفته تا نقاشی با جوهر، چاپ روی چوب، خوشنویسی روی ابریشم و کاغذ، همچنین اوریگامی! سبک‌ها و تأثیرات بی‌شمار آن دلیلی است که هنر ژاپنی امروزه بسیار محبوب است. استفاده خلاقانه از قلم مو و دقت در جزئیات پیچیده، آن را به یکی از متمایزترین اشکال هنری در جهان تبدیل کرده است.

نقاشی ژاپنی، که به خاطر جذابیت مسحور کننده آسیایی خود مشهور است، دارای سنت هنری غنی و متنوعی است. با این حال، برای مبتدیانی که مایل به کشف این شکل از هنر هستند، اغلب پیچیده به نظر می رسد. تنوع مکاتب نقاشی، سبک‌های متمایز، ابزارهای منحصر به فرد و استفاده از اصطلاحات خاص ژاپنی به پیچیدگی آن کمک می‌کند و چالش‌هایی را برای بسیاری از مخاطبان غربی ایجاد می‌نماید.

مروری بر تاریخچه نقاشی ژاپنی

برای درک هنر ژاپن، باید زمینه تاریخی آن را در نظر گرفت که تحت تأثیر تعامل با چین و غرب شکل گرفته است.
نقاشی ژاپنی ساده عمیقاً تحت تأثیر فرهنگ چینی بوده، اما سبک های متمایز ژاپنی در نهایت ظهور کردند. این امر منجر به شکل گیری مکاتب مختلف نقاشی ژاپنی شد که هر کدام رویکردی منحصر به فرد داشتند. با وجود این نوآوری ها، نفوذ چین تا دوره ادو (1603-1867) باقی ماند. اصطلاح Yamato-e معمولاً به نقاشی سنتی ژاپنی اشاره دارد.
در طول دوره میجی (1868-1912)، ژاپن هنر غربی را پذیرفت و بخش‌های دانشگاهی را به مطالعه هنر غربی اضافه کرد. هنرمندان غربی برای تدریس دعوت شدند و دانشجویان ژاپنی در خارج از کشور به ویژه در فرانسه و ایتالیا تحصیل کردند.
با این حال، ناسیونالیسم بعدها علاقه به هنر سنتی ژاپن را احیا کرد. مردم به میراث هنری کشور احترام گذاشتند و حتی هنر غربی را مورد انتقاد قرار دادند. در قرن بیستم، سبک‌های ژاپنی و غربی با هم ادغام شدند و دانشگاه های هنر، آموزش را در هر دو سنت ارائه می‌کردند.

مکاتب و سبک های نقاشی ژاپنی

ژاپن کشوری با میراث فرهنگی غنی است و جنبش های هنری آن از نمادین ترین و تأثیرگذارترین جنبش های هنری جهان هستند. از روزهای اولیه هنر ژاپن، هنرمندان و صنعتگران از مهارت‌های خود برای خلق آثار هنری نمادین استفاده کرده‌اند که مخاطبان را در همه جا مجذوب خود کرده است. در این مقاله، تاریخچه و تکنیک‌های پشت برخی از محبوب‌ترین سبک‌های هنری ژاپنی، از سنتی تا معاصر را بررسی کرده و زیبایی و اهمیت منحصر به فرد هر کدام را کشف می‌کنیم.

مکتب نقاشی کانو

مکتب نقاشی کانو یکی از مشهورترین مکاتب نقاشی ژاپنی در تاریخ است. این مجموعه تعدادی از هنرمندان بزرگ ژاپنی را در خود پرورش داد و از قرن 15 تا 19 میلادی بر هنر ژاپن تسلط داشت. مدرسه هنری کانو در ابتدا توسط یک نقاش اهل کیوتو به نام کانو ماسانوبو (1430-1530) که در نقاشی های ذن تخصص داشت، تأسیس شد. او به آموزش پسرش کانو موتونوبو (1476-1559) ادامه داد و این موتونوبو بود که به پرورش سبک نقاشی کانو نسبت داده می شود. این سبک چیزی بود که هیچ کس در ژاپن قبلاً ندیده بود و با ادغام جنبه های نقاشی سنتی چینی با نقاشی ژاپنی ساده ایجاد شد.

نقاشی چینی که کانو ماسانوبو بر آن تسلط داشت، تأکید زیادی بر قلم مو داشت. همچنین جوهر غالب بود و از رنگ کمی استفاده شده بود. بیشتر این نقاشی ها موضوعات چینی، به ویژه مناظر چینی را نشان می دادند. کانو ماسانوبو برخی از این جنبه ها را در نظر گرفت و آنها را با ویژگی های نقاشی کلاسیک ژاپنی ترکیب کرد. برخی از این ویژگی ها تزئینی، نقش و نگار و رنگ های روشن بود. ادغام این دو سبک هنری بود که سبک نقاشی معروف کانو را به وجود آورد.
نقاشی های کانو نیز ویژگی های خاص خود را داشتند. معمول بود که این نقاشی ها تضاد بالایی بین تاریکی و روشنایی داشته باشند. آنها اغلب مناظر، حیوانات، چهره ها یا طبیعت را به تصویر می کشیدند. این نقاشی‌ها غالباً روی یک ورق طلا قرار می‌گرفتند یا روی کاغذ ورق طلا نقاشی می‌شدند.

مکتب نقاشی مارویاما-شیجو

در سال 1603، شوگان جدید پایتخت را از شهر امپراتوری کیوتو به ادو (توکیو کنونی) در شرق منتقل کرد. این تغییر همچنین منجر به حذف مکتب نقاشان انحصاری کانو از کیوتو به ادو شد. کانو در نقاشی‌ با جوهر در مقیاس بزرگ روی ورق طلا تخصص داشت و اصل و نسب آکادمیک قابل توجه آن‌ها به دقت از طریق یک سیستم آموزش دقیق با کپی کردن از کتاب‌های راهنمای نقاشی حفظ می‌شد. حرکت کانو به ادو منجر به از دست دادن موقت شتاب فرهنگی در کیوتو شد. اما در قرن هجدهم، نسل جدیدی از نقاشان فردگرا در کیوتو ظهور کردند و شکوفایی خلاقانه‌ای را به وجود آوردند.
Maruyama Ōkyo در ابتدا در مکتب کانو آموزش دیده بود. با این حال، مواجهه اولیه او با چاپ های پرسپکتیو غربی، نقاشی چینی پرنده و گل و نقاشی بومی رینپا، باعث اخراج او از مدرسه شد. اوکیو یک شیوه انقلابی از نقاشی را توسعه داد که حقیقت تصویری آن نه بر اساس قراردادهای کتاب کپی، بلکه بر اساس مشاهده و ترسیم از زندگی است.
به طرز متناقضی، این نقاش فردگرا که عضویت در هر مدرسه ای را رد می کرد، آنقدر موفق بود که کارگاهی را تأسیس کرد و شاگردان زیادی را زیر نظر گرفت. مهمترین آنها ماتسومورا گوشون (1752-1811) بود که کارگاه شخصی خود را در شیجو در کیوتو تأسیس کرد. Goshun در نهایت خط اوکیو را به ارث برد. نقاشی‌هایی که پیروان بسیاری از اوکیو و گوشون خلق کرده اند، اکنون معمولاً به عنوان نقاشی Maruyama-Shijō شناخته می‌شوند.

سبک نقاشی یاماتوئه

Yamato-eسبکی از نقاشی ژاپنی است که برای اولین بار در دوره هیان ژاپن (794-1185) شکوفا شد. پس از چندین قرن تبادل فرهنگی با چین، در اواخر قرن نهم، دربار امپراتوری ژاپن مأموریت های تجاری رسمی با سرزمین اصلی را متوقف کرد و توجه خود را به سمت درون کشور معطوف کرد تا بر مسائل ملی تمرکز کند. دوره هیان، که به معنای واقعی کلمه «دوره آرامش» است، دوره ای صلح آمیز بود که در طی آن دربار مرکز فعالیت های غنی فرهنگی، از جمله ایجاد گرایش های جدید در نقاشی و ادبیات بود. اصطلاح یاماتوئه که به معنای واقعی کلمه به معنای "نقاشی ژاپنی" است، در این دوره ابداع شد. در آن زمان، این اصطلاح به معنای تمایز نقاشی‌های مرتبط با موضوع ژاپنی از نقاشی‌هایی بود که مضامین وارداتی از چین را نشان می‌داد، که به عنوان kara-e، به معنای واقعی کلمه "نقاشی تانگ" شناخته می‌شد که به سلسله تانگ (618-907) چین اشاره می‌کرد. موضوعات ژاپنی شامل داستان هایی از ادبیات و تاریخ ژاپن و همچنین فعالیت ها و نقش های مرتبط با چهار فصل در ژاپن بود. چنین نقاشی هایی مناطق ژاپنی را به تصویر می کشند که با تپه های نرم و متحرک حومه شهر کیوتو مشخص می شود.
ویژگی های بارز یاماتوئه شامل بسیاری از چهره های کوچک و ترسیم دقیق جزئیات ساختمان ها و اشیاء دیگر، انتخاب تنها برخی از عناصر یک صحنه برای به تصویر کشیدن کامل وقایع است، بقیه یا نادیده گرفته می شوند یا توسط یک "ابر شناور" پوشانده شده اند.
نقاشی Yamato-e به عنوان یک سبک متمایز از هنر ژاپنی ماندگار شده است، زیرا هر نسل با جذابیت عصر طلایی فرهنگ ژاپنی جذب می شود. هنرمندان یاماتوئه با داستان‌هایی از شکوه و جلال درباری و تصاویری از جهان طبیعی و قهرمانان گذشته، تاریخ ژاپن را به تصاویری پرطنین از لذت و زیبایی تقطیر کرده‌اند.

نقاشی یوگا در ژاپن

یکی از رهبران جنبش یوگا کورودا سیکی (1866-1924) بود که ایده های غربی را به ژاپن آورد. سیکی با تحصیل هنر در پاریس تحت تأثیر امپرسیونیسم و پست امپرسیونیسم و تکنیک آبرنگ و رنگ روغن قرار گرفت. Lakeside یک نقاشی شبیه به نحوه نقاشی استادان بزرگ در فرانسه بود که زن جوانی را در کنار دریاچه نشان می داد.

آسای چو (1856-1907) به خاطر کارهای پیشگام خود برای توسعه سبک یوگا در ژاپن شناخته شده بود و به وضوح تأثیر امپرسیونیسم و رئالیسم را در نقاشی خود به نام Harvest نشان می دهد که رنگ های غیر معمول در نقاشی های ژاپنی را به نمایش می گذارد.

فوجیشیما تاکجی (1867-1943) سبک خود را برای استفاده از رمانتیسیسم و امپرسیونیسم در سبک یوگا در ژاپن توسعه داد، همانطور که در اثر پروانه ها به تصویر کشیده شده است؛ او از رنگ روغن و ترکیبی طبیعی با سایه‌هایی که باعث ایجاد عمق می‌شود، استفاده کرد. با این حال هنوز نمای نزدیک زن را با پروانه‌ها به تصویر می‌کشد.

سبک نقاشی رینپا

Rinpa سبکی از هنر ژاپنی است که در قرن هفدهم آغاز شد. این سبک به دلیل استفاده از ورق طلا، خطوط پررنگ و رنگ های پر جنب و جوش شناخته می شود. نقاشی رینپا اغلب دارای صحنه هایی از طبیعت مانند گل ها و پرندگان است و به دلیل سبک تزئینی و مجلل خود شناخته شده است.
یکی از مشهورترین هنرمندان رینپا، اوگاتا کورین بود که آثار هنری خیره کننده ای خلق کرده است. استفاده کورین از ورق طلا و خطوط پررنگ، حس انرژی و حرکتی را ایجاد کرد که در هنر ژاپنی بی نظیر بود.
هنر رینپا با استفاده از طیف وسیعی از تکنیک ها از جمله استفاده از ورق طلا، نقاشی شستشو با جوهر و لاک ایجاد می شود. استفاده از ورق طلا باعث ایجاد حس تجمل و مجلل گری شده، در حالی که خطوط پررنگ و رنگ های زنده، هنر رینپا را از دیگر سبک های هنری ژاپنی متمایز می کند.

نقاشی سوئی‌بوکوگا

Suibokuga (نقاشی شستشو با جوهر ژاپنی) سبکی از نقاشی ژاپنی تک رنگ است که تنها با استفاده از دو عنصر، جوهر سیاه و آب مشخص می شود. هنرمندان نقاشی جوهر ژاپنی به طرز فریبنده ای ساده از این دو ماده به ظاهر پیش پا افتاده برای خلق دنیای پیچیده ای از نور، فرم و حتی بافت استفاده می کنند. Sumi-e که به نقاشی با جوهر سیاه ترجمه شده نیز نام دیگری است که با آن شناخته می شود.
قلم مو سوئی بوکوگا (که در خوشنویسی ژاپنی نیز استفاده می شود) اغلب با بامبو و انواع مختلف موی حیوانات از جمله گرگ، خرگوش و گوسفند تولید می شود. یک قلم مو بسیار با کیفیت ممکن است از موی راسو ساخته شود که محکم و سبک است. چوب جوهر از کاج ساخته شده و با چسب حیوانی مخلوط می شود. در ژاپن از کاغذهایی مانند واشی و هانشی در میان انواع دیگر کاغذ استفاده می شود. از آب برای روشن کردن جوهر برای ایجاد سایه های مختلف استفاده شده که در زبان ژاپنی به نام نوتان شناخته می شود. هنرمند با استفاده از قلم موی ظریف، بافت هایی مانند «کاسوره» (خراشیدگی) و فرم هایی مانند «نیجیمی» (تاری) ایجاد می کند. انواع مختلفی از کاغذ در نقاشی های جوهر ژاپنی مانند کاغذ آبرنگ، کاغذ برنجی و کاغذ بریستول استفاده می شود. کاغذ طراحی و بوم سطوح غیر قابل قبول در نظر گرفته می شوند.
نقاشی با جوهر چینی سبکی از نقاشی تک رنگ با جوهر است که از قلم مو، جوهر، کاغذ و سنگ جوهر استفاده می کند. تضاد بین نور و تاریکی، ضربات سریع و آهسته و خطوط منحنی و مستقیم یکی از جنبه های مهم نقاشی است. تمرکز روی به تصویر کشیدن ماهیت سوژه ها است، نه ظاهر بیرونی. نقاشی ها اغلب بر طبیعت تمرکز دارند. مناظر، گیاهان و حیوانات موضوعات رایج نقاشی ها هستند. اگر انسان در نقاشی گنجانده شود، معمولاً کوچک است و مرکز تمرکز نیست. نقاشی جوهر چینی اغلب از یک منبع نور استفاده نمی کند، بلکه از چندین منبع نور استفاده می کند که می تواند جوهر حرکت را در یک نقاشی به تصویر بکشد.
چندین نقطه پرسپکتیو (بدون نقطه محو) در نقاشی همچنین به نقاشان این امکان را می دهد که بسیاری از عناصر مختلف یک شیء را در یک نقاشی دقیق ترکیب کنند. این در زبان چینی "زاویه کلیت" نامیده می شود. یک نقاش ممکن است از ابرها بین قسمت های مختلف یک منظره استفاده کند تا زوایای مختلف یک کوه را در خود جای دهد. از نقاشی ها برای بیان واقعیت های پنهان ظواهر سطحی استفاده می شد. بیان هنر چینی با خلاقیت آن بر روی کاغذ و ابریشم با استفاده از قلم مو اشباع شده در جوهر سیاه یا رنگی متمایز می شود. بر عکس، هنر ژاپنی طیف متنوعی را به نمایش می گذارد که شامل مجسمه های چوبی و برنزی، سفال های باستانی، نقاشی های ابریشمی و جوهر کاغذی، نقاشی های رنگ روغن، خوشنویسی و غیره است.
اگر چه سوئی بوکوگا در عصر مدرن به این اندازه دیده نمی شود، اما این سبک اصلی نقاشی بود که در ژاپن پذیرفته شد و در نهایت نقطه شروع در تمام هنرهای سنتی ژاپن خواهد بود. در Suibokuga معاصر، هنرمندان از تلفیقی از تکنیک‌های سنتی و عبارات بدیع استقبال می‌کنند که منعکس ‌کننده گفتگوی مداوم بین میراث و مدرنیته است. ماهیت Suibokuga در توانایی آن در انتقال احساسات و مفاهیم عمیق با اثرات مینیمالیستی نهفته است که اغلب مضامین طبیعت، معنویت و درون ‌نگری را بررسی می‌کند.

سبک نقاشی ادیبان در ژاپن

نوعی نقاشی قلم مو با جوهر چینی است که از شستشوی جوهر سیاه مانند آنچه در خوشنویسی آسیای شرقی با غلظتهای مختلف استفاده می شود؛ الهام گرفته است. در طول سلسله تانگ چین (618-907) پدیدار شد و تکنیک‌های واقعی‌تر قبلی را زیر پا گذاشت. معمولاً تک رنگ است، فقط از سایه‌های سیاه استفاده می‌کند.
هنرمندان نقاشی شستشوی جوهر سال‌ها صرف تمرین ضربه‌های قلم مو می‌کنند تا حرکت قلم مو و جریان جوهر خود را اصلاح کنند. این مهارت‌ها ارتباط نزدیکی با مهارت‌هایی دارد که برای نوشتن اولیه با حروف آسیای شرقی و سپس برای خوشنویسی، که اساساً از همان جوهر و قلم‌موها استفاده می‌کنند؛ مورد نیاز است. در دست استاد، یک ضربه می تواند تغییرات قابل توجهی در تناژ ایجاد کند، از مشکی عمیق تا خاکستری متمایل به نقره ای. بنابراین، در زمینه اصلی خود، سایه به معنای چیزی بیش از چیدمان با نور و تاریکی است.

نقاشی ژاپنی اوکی‌یوئه

Ukiyo-e سبکی از هنر ژاپنی است که در قرن هفدهم آغاز شد. این سبک به دلیل استفاده از چاپ های چوبی شناخته شده است، که به هنرمندان اجازه می داد تصاویر پیچیده و دقیقی ایجاد کنند که باعث تولید انبوه و مقرون به صرفه باشد. هنر Ukiyo-e اغلب دارای صحنه هایی از زندگی روزمره است، مانند مناظر، پرتره ها، و تصاویر فرهنگ عامه.
یکی از مشهورترین هنرمندان Ukiyo-e هوکوسای بود که چاپ نمادین "موج بزرگ کاناگاوا" را خلق کرد. این چاپ در حال حاضر یکی از قابل تشخیص ترین تصاویر در جهان است و به نمادی از هنر ژاپن تبدیل شده است.

چاپ‌های Ukiyo-e با حک کردن یک طرح در یک بلوک چوبی، سپس با استفاده از یک سری بلوک برای ایجاد لایه‌هایی از رنگ و جزئیات ایجاد می‌شوند. چاپ ها اغلب جسورانه و رنگارنگ هستند، با تمرکز بر جذب انرژی و حرکت در زندگی روزانه.

مکتب نقاشی توساها

مکتب توسا که در دوره موروماچی (1392-1573) در کیوتو شکل گرفت، به طور سنتی برای خانواده امپراطوری و اشراف نقاشی می‌شد. آنها ادبیات کلاسیک ژاپنی مانند داستان جنجی و داستان های ایسه را موضوع خود قرار دادند. آنها با نقاشی بر روی قالب‌های مختلف، سبک نقاشی دقیقی به نام yamato-e (تصاویر یاماتو- نامی قدیمی برای ژاپن) ایجاد کردند. همانطور که از نام آن پیداست، yamato-e یک سبک نقاشی کاملاً ژاپنی در نظر گرفته می شود که در آن رنگ در لایه های مات با خطوط برجسته اعمال می شود. چهره هایی که با ضربات کوتاه مشخص می شوند، شخصی نیستند.

مشاهیر نقاشی ژاپنی

- یوکویاما تایکان (Yokoyama Taikan)

- یایو کوساما (Yayoi Kusama)

- هوکوسای کاتسوشیکا (Hokusai Katsushika)

- اوتاگاوا هیروشیگه (Utagawa Hiroshige)

- تسوگوهارو فوجیتا (Tsuguharu Foujita)

- تاوارایا سوتاتسو (Tawaraya Sotatsu)

- چیهارو شیوتا (Chiharu Shiota)

- کاواسه هاسوی (Kawase Hasui)

- هاسگاوا توهاکو (Hasegawa Tohaku)

کلام آخر
همانطور که در این مقاله مطالعه نمودید، هنر ژاپن تلفیقی از سبک ها و مکاتب مختلف است که به صورت مختصر در مورد آن توضیح داده شد. اگر به نقاشی با تکنیک های مختلف علاقه دارید، میتوانید با مراجعه به فروشگاه آنلاین لوازم تحریر دفتردستک، مجموعه متنوعی از لوازم نقاشی و ابزار مرتبط با آن مانند ست قلم مو، پالت رنگ، ظرف ترکیب رنگ و شستشو قلم مو، مداد طراحی، پاک کن خمیری، تراش مخزن دار، مداد رنگی، آبرنگ، گواش، رنگ روغن، رنگ آکریلیک، پاستل روغنی و گچی، دفاتر طراحی مولسکین و تعداد بیشماری محصولات دیگر را خریداری کنید.